Una breve introducción a la cinematografía de Akira Kurosawa

Akira Kurosawa, famoso director de cine, nació en Japón en 1910 y falleció en 1988.

Podrá sorprenderlos, pero a diferencia de la crítica occidental que siempre ha sido muy favorable, la crítica japonesa de las películas de Kurosawa ha sido muy severa. Un ejemplo de esta actitud es lo que sucedió con la película Rashomon (1950), que ganó el primer premio en el Festival de Cine de Venecia en 1951.

Para aquellas personas que no la vieron, la película trata de un samurai y su mujer que, en un viaje ambientado aproximadamente en el siglo XII, son atacados por un bandolero, actuado por un famoso actor japonés, Toshiro Mifune -quien también fuera el actor de los "Siete Samurai"-, quizás el film más conocido de Kurosawa en Occidente.

Rashomon trata del asesinato de un samurai y de la violación de su mujer en un viaje, y narra este episodio desde el punto de vista de todos los protagonistas. La obra es una especie de corte de justicia, donde se escuchan las versiones de todas las personas, incluidas la del marido. Una realidad, el marido que en la película está muerto y la violación de su mujer por el bandolero, es contada en tres diferentes versiones. Es una obra que trata sobre la incertidumbre, sobre la imposibilidad de encontrar una "realidad objetiva" sobre las diferentes versiones del mundo que tiene el ser humano. Como película es muy dinámica y con una estructura muy desarrollada que incluye un manejo maravilloso de las técnicas cinematográficas, de los silencios, de los espacios, de la luz y de las sombras. Es una obra con escenas de mucha tensión. En definitiva, es una gran obra de arte. El camarógrafo de está película fue Kazuo Miyagawa, uno de los virtuosos del manejo de la cámara. Miyagawa fue uno de los artesanos que contribuyeron a que las décadas del cuarenta al sesenta fueran la época de oro del cine japonés.

La última escena de Rashomon -en un final que olvida el cinismo y la tensión de toda la obra- culmina con un diálogo donde los narradores reflexionan sobre la necesidad que tiene el hombre de confiar en la humanidad. Recuerdo haberme ruborizado cuando vi este final, pensando que era forzado o artificial. Me parecía que trataba de simplificar la realidad de un mundo complejo para terminar en un final que suspendía el interrogante que planteaba toda la película.

Me impresionó también porque, en Japón, las emociones se insinúan pero nunca se expresan en forma directa. Decir algo directamente es considerado poco elegante o de poca educación. Esta tendencia no es nueva, existe ya desde la literatura tradicional como en la poesía Haiku , Waka o en el teatro Noh .

Kurosawa mismo respondió a las críticas del final de Rashomon . En una entrevista con un periodista comentó: "Muchos críticos censuraron lo que ellos consideraban la artificialidad de este final. Pero yo estoy seguro de que está bien hecho, porque creo que el hombre es así. Está muy de moda dudar hoy en día de la humanidad, pero ¿se puede vivir sin creer en algo? Esto es lo que quería trasmitir en Rashomon ".

En otras palabras, Kurosawa era, a diferencia de otros directores japoneses, muy explícito. Obligaba a los actores a crear actuaciones con mucha tensión. Existen muchos episodios que muestran esta característica, pero mencionaré uno de la filmación de la película "Barbarroja" (1965). En ella examinaba hasta los cajones de un armario y obligaba a los asistentes a llenarlos diciendo: "Puede ocurrir que en un cajón que no está previsto abrirse durante la filmación -por cambios en la actuación-, sea necesario que los actores lo abran. En ese momento, si el cajón está vacío, la tensión de su actuación seguramente decaerá".

Puede sorprenderlos que el cine japonés haya tenido en sus comienzos una importante influencia del cine norteamericano, pero adaptado a las preferencias y tradiciones del público japonés.

La imagen que se tenía de los Estados Unidos en esa época era la del desarrollo económico de los años 20, antes de la gran depresión, del crecimiento de las grandes ciudades, de las corrientes de migración internas, de la industrialización. Es el jazz age , el automóvil, la época de Scott Fitzgerald. Pero también existía una imagen opuesta, la de las comunidades o pueblos del interior, la de los pioneros, la del puritanismo.

Este llamado americanismo tuvo una influencia significativa no sólo en Kurosawa sino también en directores como Yasujiro Ozu, uno de los más tradicionales directores de cine japonés, nacido en 1903. Durante la época del cine mudo realizó diversas películas con contenidos humorísticos, las llamadas "comedia de payasadas" ( slapstick comedy) -al estilo de las realizadas en Estados Unidos-, como por ejemplo las de Buster Keaton o Harold Lloyd. Pero Ozu, en su crecimiento como cineasta, logró un estilo propio. Se diferenció del cine norteamericano. Empezó a tratar el tema de la familia a partir de las relaciones de distanciamiento, de restricción, de reserva, de modestia y de soledad. Construyó o describió a la familia, a partir de la resignación y aceptación de la individualidad y de la soledad de las relaciones de cada persona.

Una de las formas más importantes en que el cine americano trataba las relaciones familiares era la relación entre padre e hijo. Quizás ustedes puedan ver esto en el film The Kid de Charles Chaplin o Shane de George Stevens.

En cambio, en el cine japonés, lo que dominaba era la figura de la madre, de la mujer. Este tema está relacionado con el origen y desarrollo del cine en Japón. Yasujiro Ozu, Kenji Mizoguchi, Keisuke Kinoshita o Mikio Naruse, entre otros, eligieron a la mujer como protagonista principal de sus películas, privilegiando las características de las mujeres japonesas, tales como la delicadeza, el refinamiento y la reserva. Esta corriente también tiene su contraparte en la literatura con escritores como Yasunari Kawabata, Junichiro Tanizaki o Kyoka Izumi.

El cine en sus comienzos -para los japoneses- no era una nueva forma de expresión artística sino una técnica de filmación de obras de teatro. Cuando los japoneses miraban cine, en realidad estaban mirando teatro filmado. El teatro más popular en esa época era el Kabuki y una derivación de este último llamado Shimpa, que significa nueva escuela. El Shimpa es un teatro de melodrama donde el público sufre y llora con los avatares de la heroína. En ambas formas de teatro, el personaje de la mujer era actuado por hombres y, curiosamente, esto también sucedió en el cine hasta aproximadamente los años 1930.

Kurosawa, en cambio, elige a personajes masculinos como protagonistas de sus películas. La influencia del americanismo tuvo su manifestación en la elección de la relación de maestro y discípulo, como contrapartida de la temática de la relación entre padre e hijo del cine americano.

En Japón, la imagen del maestro es aquélla de quien ya recorrió el camino y logró alcanzar la meta. El discípulo aprende del maestro sin un manual, a través de la mirada, del reconocimiento de la figura de su maestro, de la imitación. Esta relación es usada incesantemente en Kurosawa con diversas variantes. El discípulo es una persona a la que es necesario guiar para que pueda desarrollar toda su potencialidad. Una especie de Bildungsroman como el Wilhem Meister de Goethe o La Montaña Mágica de Thomas Mann.

La utilización por parte de Kurosawa de este concepto le permitió, además, despertar en el espectador una sensación de simpatía o apoyo que le ayudaba a "meterse" en la película. Servía también de base para la construcción de un eje donde se desarrolla el tiempo.

Kurosawa prefería, entonces, a los personajes masculinos en los papeles protagónicos. Fue casi inevitable entonces que inventara el personaje del héroe: un personaje de acción, comprometido y lleno de vitalidad.

El desarrollo del concepto del héroe tuvo, sin embargo, diversas facetas. En sus primeras películas aparece bajo la relación del maestro-discípulo como en el caso de la película Sugata San Shiro , donde se narra la vida de un joven judoka. Le sigue el héroe negativo, como se puede apreciar en la película Yoi Dore Tenshi (El Ángel Borracho) de 1949. La película narra la historia de un gangster enfermo de tuberculosis (Toshiro Mifune) y de un médico alcohólico que trabaja en una villa miseria y que lo cuida. En este film, Kurosawa nos muestra a un discípulo anárquico con tendencias autodestructivas.

Los "Siete samurai", Yojimbo o Tsubakisanjuro son películas de época. Para nosotros -los japoneses- estas películas son de acción, de entretenimiento. Pero, a pesar de esto, sus héroes se comportan como figuras que siguen la ya mencionada filosofía del "camino recorrido". Es decir que son una fusión de Bushido (el camino del samurai) y el heroísmo.

Ikiru , en castellano "Vivir", una de las más conmovedoras películas de Kurosawa, trata de un burócrata municipal que anhela jubilarse, a quien le dan seis meses de vida por padecer de cáncer. La ambientación es contemporánea, pero el personaje está decidido a dedicar sus últimos días a ayudar a la gente humilde. Refleja una actitud o espíritu más cerca del orgullo samurai -que no es necesariamente siempre mostrar su valentía o fuerza- sino de la paciencia y comprensión. Podríamos decir que el personaje es casi como un "pequeño héroe". Esta es otra de las características de las películas de Kurosawa que atrae a la audiencia mundial. Este tipo de "pequeños héroes" puede verse también descripto de manera tierna en la película Dodesukaden , que narra la historia -a fines de los años 1960- de los excluidos del progreso económico de Japón, de la nobleza de los desposeídos.

A partir de esta película, poco a poco, desaparecen los héroes. Dersu Ursala , una película filmada en el año 1975, narra la historia de un personaje -Dersu Ursala- que vive en medio de un ambiente salvaje y hostil de Siberia.

Dersu es un guía para un capitán ruso a quien le enseña la vida en ese medio adverso. Al cabo de un tiempo, Dersu acepta irse a vivir a la ciudad bajo el cuidado de su discípulo el Capitán Arseniev, pero, al no poder soportar la vida en medio de la civilización, Dersu muere.

Al final de la película Kagemusha (1980) -que significa el doble, el sosias- el héroe desaparece por completo. Este doble inclusive se convierte en un ser insignificante. La última escena de Kagemusha describe una famosa batalla donde el clan Oda Nobunaga destruye al clan Takeda utilizando -por primera vez en la historia bélica japonesa- armas de fuego.

Esta obra representa la desaparición del héroe clásico. El héroe que muere, ShingenTakeda , no es el mismo Takeda , es su doble, su sosias. Desde el título mismo, ya no existe la posibilidad de un héroe. El héroe que escribe la historia narra sólo el mundo de las triviales intrigas humanas.

Ran (1985) se basó en King Lear , que Kurosawa describe como a un gran samurai. Sus problemas comienzan cuando cede toda su herencia a sus hijos varones y no a sus hijas como en el King Lear de Shakespeare. Los conflictos generados entre sus hijos obligan a terminar su vida en la miseria y la desesperación. Sus hijos se engañan y traicionan entre sí, terminando el clan destruyéndose a sí mismo.

En síntesis, el concepto de héroe en Kurosawa atraviesa diversas etapas. El héroe clásico, creado quizás como reflejo de la necesidad del pueblo japonés, destruido y empobrecido en la posguerra. A partir de los años 1960, Kurosawa contrapone al héroe clásico el héroe negativo. Como ejemplo de ello "El Ángel Borracho", como representación de la pérdida de control, de los impulsos de autodestrucción del hombre. Es a partir de esa época, que coincide con el desarrollo acelerado de la economía japonesa y de la destrucción del medio ambiente, cuando Kurosawa cambia su enfoque hacia el pequeño héroe o hacia la desaparición completa del héroe clásico. Entonces Kurosawa comienza a dudar de la validez del héroe, de la necesidad de construirlo. Como dije anteriormente, en Ran y Kagemusha desaparece totalmente o lo describe como un héroe negativo.

En sus últimas películas, Kurosawa expande su enfoque crítico del héroe a la humanidad, a la civilización misma.



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